Salinger en 1952, por Anthony Di Gesu

La vida y la obra de Jerome David Salinger (1919-2010) han estado sujetas a polémica y reverencia a partes iguales desde que en 1951 publicó su obra más conocida: El guardián entre el centeno. Esta novela de iniciación juvenil, también conocida como El cazador oculto según el título de su primera versión al castellano, se convirtió pronto en todo un mito literario y a día de hoy  constituye un referente ineludible de la cultura universal contemporánea.

En relación directa con la llamada Beat Generation norteamericana -en la que destacaron especialmente Ginsberg, Kerouac y Burroughs-, así como con los movimientos contraculturales que sacudieron Estados Unidos durante los años 50 y 60 del pasado siglo, El guardián entre el centeno ha sido desde su publicación todo un símbolo de la rebeldía y las dudas adolescentes para millones de lectores.

Para entender mejor el contexto social en que se publica la obra, hija de su tiempo y a la vez rara avis, genuina y solitaria, te sugiero que visites la entrada publicada por David Sánchez en el blog Blaschillerato:

Salinger y su contexto: los años 50.

Jóvenes neoyorquinas, década de los 50

Tras participar como miembro del servicio de contraespionaje americano en Europa durante la II Guerra Mundial, experiencia que le marcó proundamente, J. D. Salinger empezó a colaborar en la prestigiosa revista literaria The New Yorker, en la que publicó varios de sus relatos breves, muchos de los cuales fueron posteriormente recopilados en la selección Nueve cuentos (Nine stories, 1953).

Entre todos ellos destaca una historia que es considerada habitualmente una de las mejores de la narrativa corta moderna: Un día perfecto para el pez banana (aquí adaptada como cortometraje). Si quieres leerla -algo que te recomiendo encarecidamente- y conocer algo mejor a la inclasificable familia Glass, puedes hacerlo a través de cualquiera de los siguientes enlaces:

1. Un día perfecto para el pez banana
2. Un día perfecto para el pez plátano (texto y cuestiones)

En este cuento, así como en la novela que da título a esta entrada, aparece un tema que será recurrente en el universo literario de Salinger: la agilidad y perspicacia mental de personajes trastornados que encuentran en la inocencia, en la inteligencia y en la gracia de los niños una luz de esperanza e incluso una vía de redención para su sufrimiento.

La novela cuenta en primera persona lo que le pasa al joven Holden Caulfield cuando lo expulsan del colegio de élite Pencey Prep (web ficiticia) un viernes por la tarde, poco antes de las vacaciones de Navidad. Tras pasar la mañana del sábado con el equipo de esgrima, visitar a uno de sus profesores y pasar una frustrante tarde de cine con un par de compañeros, Holden decide escaparse del internado sin avisar a nadie y pasar unos días solo en la ciudad de Nueva York, haciendo lo que le apetezca.

El relato de sus aventuras a lo largo de los dos días y medio siguientes, en los que pasará por experiencias sexuales, sentimentales e intelectuales de muy distinto tipo, y en los que conocerá desde la absoluta felicidad de ser totalmente libre hasta la más profunda soledad y el más terrible desengaño vital, ocupan los 26 capítulos de que consta el libro. Todo ello, eso sí, contado con un enorme sentido del humor y desde un punto de vista absolutamente original: el de un cáustico e irónico estudiante que cree -a sus diecisiete años escasos- ser muy listo y estar de vuelta de todo.

Salinger nunca concedió entrevistas, vivió casi recluido en una gran casa de campo situada en un pueblo de New Hampshire y llevó una existencia solitaria y atormentada de la que su familia directa fue a la vez testigo excepcional y víctima voluntaria.  Muy pronto se negó a participar de la vida literaria de su época, quizá pensando que la fama y el dinero tendrían un efecto pernicioso en su arte y en su independencia ideológica. Durante largas temporadas, dejó de escribir y vivió dedicado a la práctica del budismo zen y a la observación artística de la realidad. Mantuvo escasa correspondencia con amigos y colegas, se negó a introducir ilustraciones y textos complementarios en las portadas y contraportadas de sus libros, persiguió legalmente a todos los que intentaron publicar algo sobre él sin su permiso y se ganó una merecida fama de raro, huraño e irascible, tanta que ni siquiera se tienen fotografías públicas suyas posteriores a la década de los 50.

Tras una decepcionante adaptación hollywoodiense de uno de sus primeros cuentos, el Salinger maduro nunca volvió a permitir que sus obras fueran trasladadas al cine, a pesar de las insistentes demandas que se le hicieron en este sentido. Su relación con el séptimo arte fue por tanto de amor y de odio a la vez, tal y como le pasaba a Holden Caulfield. No obstante, hay dos filmaciones sobre Salinger de gran interés. La más relevante hasta la fecha es Descubriendo a Forrester (2000) de Gus van Sant, una película de ficción en que, aunque no se le cita nunca, el personaje central de la historia es un escritor excepcional, desaparecido de la vida pública desde su juventud y convertido en un mito:

Y la segunda -y más importante- es que este año 2012 que comienza verá la luz un esperado documental sobre la vida del escritor que -al parecer- contiene fragmentos en que aparece el propio Salinger, aparte de los testimonios de numerosos amigos y admiradores suyos. Es un proyecto del guionista Shane Salerno que, según parece, arrojará luz sobre varios momentos cruciales de su vida: desde su experiencia militar interrogando a nazis hasta sus desengaños amorosos y sus frustraciones profesionales.

El cuestionario que te propongo para trabajar en clase la lectura es accesible desde el siguiente enlace. Tiene formato Word, así lo podrás modificar a tu gusto para contestarlo:

Cuestionario “El guardián entre el centeno”

Para terminar, te doy una breve selección de páginas sobre Salinger en la red. En inglés, aparte del vídeo de presentación anterior, te recomiendo dos visitas:

• El portal de análisis literario Spark Notes, que nos proporciona una excelente guía de lectura de la obra, con indicaciones capítulo a capítulo, resúmenes y propuestas de escritura. Resumen en vídeo:

• Y algunos de los itinerarios geolocalizados sobre The catcher in the rye realizados con Google Maps por alumnos de instituto: New York Central 1, New York Central 2, Mapa extendido (proyecto Pasillos) y  Mapa extendido 2. El tercero de ellos es obra de tres alumnas del IES Uribe Kosta y se asocia con este documento resumen de Roberto Fernández.

En castellano, te pueden resultar interesantes los siguientes enlaces:

• Guía de lectura del profesor Brualla (IES Valle del Campo).
• Informe de lectura de JM González-Serna (en Aula de Letras).
• Cuestionario por capítulos de José Ramón Castañón.
• Enlace al libro en pdf y recopilación de datos sobre la obra en el blog de José Manuel Montesinos.
• El guardián entre el centeno: apuntes, textos complementarios, vídeos y presentaciones (éstas en inglés) sobre el libro en el magnífico web Aula 31 del IES Juan de la Cierva de Málaga.

Además, dos buenas introducciones generales a la obra de Salinger nos las proporcionan la guía de lectura preparada por la Biblioteca de La Rioja y la presentación de las peripecias de Holden en La Gran Manzana que nos facilita la Biblioteca de Huelva.

NOTA SOBRE LA TRADUCCIÓN

Tanto como sobre el autor, hay cierta polémica sobre la traducción del libro, empezando por el propio título, en origen vertido como El cazador oculto (1961) por Manuel Méndez en Argentina (accesible aquí) y luego traducido en España como El guardián entre el centeno. Dejando aparte las disquisiciones sobre el título como propone Rodrigo Fresán, me centraré en un detalle curioso como lo es el hecho de que existan actualmente en el mercado dos traducciones diferentes de la obra realizadas por la misma autora, Carmen Criado Fernández, y ambas publicadas en la misma editorial: Alianza. Una es de 1978 y la otra, mucho más reciente, de 2006.

Personalmente, me quedo con la primera, quizá no tan literal y ajustada al original como debiera -de lo que se le ha acusado en algunas ocasiones-, algo proclive a suavizar la dureza de las expresiones malsonantes de la versión inglesa, y quizá también ya algo desfasada respecto al lenguaje juvenil de hoy día, pero creo que con más encanto y calidad literaria que la nueva.

Traducir es traicionar, ya se sabe, por lo que lo principal en cualquier traducción es traicionar lo mínimo posible al autor e intentar acercar la obra al lector manteniendo el espíritu del texto y buscando los mejores equivalentes, también en cuanto a los registros empleados. Sin embargo, no podemos olvidar que se trata de una obra escrita hacia 1948 y que la crudeza del lenguaje de Holden, que tanto escándalo generó en su momento, tampoco puede compararse ni de lejos con el lenguaje ofensivo que aparece cotidianamente en tantas letras de rap o hip hop por ejemplo. Para mí, el estilo más cuidado, los eufemismos -que algunos achacan muy convincentemente a una cierta autocensura de la traductora- y el regusto un pelín añejo de las palabrotas y las expresiones coloquiales que aparecen en la versión primera resultan preferibles a esa mayor fidelidad al lenguaje grosero y vulgar del personaje que predomina en la segunda.

Otra opinión -muy ponderada- a cargo de Cristina Gómez y un análisis comparativo excepcional entre el original y las dos versiones de Carmen Criado como el que nos ofrece Julián Rodríguez en su página sobre Novela y traducción pueden ayudarnos a tener más datos para juzgar el asunto:

Análisis de la traducción de “El guardián entre el centeno”.

Vicente Aleixandre, con Luis Cernuda y FG Lorca

Cuerpo feliz que fluye entre mis manos,
rostro amado donde contemplo el mundo,
donde graciosos pájaros se copian fugitivos,
volando a la región donde nada se olvida.

Tu forma externa, diamante o rubí duro,
brillo de un sol que entre mis manos deslumbra,
cráter que me convoca con su música íntima, con esa
indescifrable llamada de tus dientes.

Muero porque me arrojo, porque quiero morir,
porque quiero vivir en el fuego, porque este aire de fuera
no es mío, sino el caliente aliento
que si me acerco quema y dora mis labios desde un fondo.

Deja, deja que mire, teñido del amor,
enrojecido el rostro por tu purpúrea vida,
deja que mire el hondo clamor de tus entrañas
donde muero y renuncio a vivir para siempre.

Quiero amor o la muerte, quiero morir del todo,
quiero ser tú, tu sangre, esa lava rugiente
que regando encerrada bellos miembros extremos
siente así los hermosos límites de la vida.

Este beso en tus labios como una lenta espina,
como un mar que voló hecho un espejo,
como el brillo de un ala,
es todavía unas manos, un repasar de tu crujiente pelo,
un crepitar de la luz vengadora,
luz o espada mortal que sobre mi cuello amenaza,
pero que nunca podrá destruir la unidad de este mundo.

Vicente Aleixandre, La destrucción o el amor (1935).

Puedes escucharlo recitado en el enlace:

Siguiendo la propuesta de Toni Solano en el web Re(paso) de Lengua, y para conmemorar la fecha casi invernal en que se constituyó como grupo la Generación del 27, hoy os traigo éste que es uno de los más hermosos poemas de amor del gran Vicente Aleixandre (1898-1984).

Tambén os dejo algunos enlaces de interés:

Comentario del poema en Comunidad Escolar y también aquí.

 Podcast y montaje de Manuel López Castilleja

Bajo el nombre de Mester de Clerecía se conoce una escuela poética que se desarrolló en España entre los siglos XIII y XIV. Sus principales características pueden resumirse esquemáticamente en:

a) usar de forma prácticamente exclusiva la estrofa llamada cuadernavía o tetrásforo monorrimo (cuatro versos alejandrinos, de 14 sílabas, partidos en la mitad por una cesura y con rima consonante). Como nos dice el anónimo Libro de Alexandre (s. XIII):

“Mester traigo fermoso, non es de joglaría,
mester es sin pecado, ca es de clerecía:
fablar curso rimado, por la cuadernavía,
a sílabas cuntadas, ca es gran maestría.”

b) ser un “oficio” propio de clérigos (en el sentido de “hombres instruidos” aunque no necesariamente religiosos). Por eso todos los autores demuestran una gran cultura, tanto religiosa como clásica, independientemente de que luego se muestren más campechanos y sencillos como Juan Ruiz o Berceo, o más severos y adustos.

c) tratar básicamente temas de tipo moral y religioso: vidas de santos, milagros de la Virgen, leyendas piadosas, relatos moralizantes… No obstante, también se escriben en cuadernavía narraciones más o menos profanas y aventureras como la historia bizantina del Libro de Apolonio (s. XIII) y la épica culta del Poema de Fernán González (s. XIII).

d) albergar un fuerte sentido didáctico: fundamentalmente se destinan al aleccionamiento de fieles o peregrinos, tal y como se hacía con los retablos y las primitivas representaciones dramáticas de tipo religioso, aunque también pueden alcanzar un público más amplio todavía como nos propone el narrador del Libro de buen amor.

e) tener una evidente voluntad de estilo, que se manifiesta en el uso de un lenguaje muy escogido -elevado, pulcro, preciso- y plagado de cultismos, así como en una clara conciencia de autoría y en la consiguiente voluntad de firmar sus obras.

f) reivindicar la autoridad de las fuentes escritas en que se basan (el libro, sea cual sea éste), aunque justamente la parte más viva y atractiva de estos relatos se halla casi siempre en el tono realista, fresco, divertido e incluso procaz de algunas de las  escenas contadas.

Entre los autores principales de esta corriente o escuela poética destacan sin duda dos:

GONZALO DE BERCEO (siglo XIII)

Fue un monje riojano, caritativo e ingenioso. Era una especie de juglar a lo divino al que podemos imaginar recitando sus poemas a la puerta de los dos importantes monasterios para los que trabajó: Santo Domingo de Silos (Burgos) y San Millán de la Cogolla (La Rioja). Estuvo, por tanto, muy vinculado al camino de Santiago y al enorme flujo de peregrinos que lo recorría.

Inspirándose en libros latinos y franceses, escribió diversas obras entre las que destacan los Milagros de Nuestra Señora y sus vidas de santos (Vida de San Millán, Vida de Santa Oria….) Los milagros están imbuidos de tierna humanidad y devoción por la Virgen que aparece como salvadora y misericordiosa al final de todos los relatos. En ellos, muestra cómo la fe en María y el arrepentimiento sincero son los necesarios requisitos para escapar al infierno que procuran los vicios y los errores morales: lujuria, avaricia, herejía, codicia…

En la introducción alegórica inicial (prado florido, fuentes, árboles frutales, etc.) representa con gran belleza la vida contemplativa que procura la religión y en los relatos posteriores, la estructura se repite con gran eficacia: presentación, desarrollo argumental y conclusión a modo de resumen con consejos a los oyentes.

En definitiva, Berceo es un poeta poco original en los argumentos pero de gran habilidad en la composición y en la gracia del lenguaje que emplea. Consciente de su misión evangélica, defiende el valor fundamental de la fe como requisito para la salvación de las almas. Referencias de interés:

• Biblioteca Gonzalo de Berceo, hecha desde La Rioja.
• Biblioteca de autor: Berceo en el CVC Cervantes.

JUAN RUIZ, ARCIPRESTE DE HITA (s. XIV)

Fue un personaje contradictorio y jovial, sin prejuicios, muy crítico con la Iglesia de su tiempo. Escribió una obra genial, variada y heterodoxa, el Libro del buen amor, cuyo sentido es deliberadamente ambiguo. En ella contrapone el loco amor (pasión sexual, “ayuntamiento con hembra placentera”) al buen amor (casto y puro, espiritual, dedicado a la Virgen) y nos enseña los errores o malos ejemplos que podemos cometer en la vida con la intención de darlos a conocer y procurar evitarlos en el futuro. No obstante, al final, nos dice que escojamos lo que juzguemos mejor, esto es: el erotismo carnal o la vida del espíritu y el rezo.  ¿Qué camino elegir?

En el libro, como corresponde a una miscelánea, cabe de todo: aventuras eróticas del arcipreste (serranas, Doña Garoza…), repertorio de recursos para seducir a las mujeres, batalla de Don Carnal y Doña Cuaresma, gozos a la Virgen, amores de don Melón y doña Endrina, historia de Pitas Payas, disputa de griegos y romanos, apólogos o cuentecillos morales… En la obra aparece ya, además, un personaje de gran fortuna literaria: el de la alcahueta Trotaconventos, antecedente de la Celestina de Rojas.

Por último, como referencia culta, el LBA es una obra compleja que se inspira claramente en el Arte de amar de Ovidio y tiene un carácter festivo y burlón que la hace francamente divertida y original, un clásico medieval con plena vigencia hoy día como apuntamos en otro sitio: Modernidad del LBA. Algunos sitios de interés:

• Un magnífico estudio sobre el Libro del Buen Amor nos lo ofrece José Antonio Serrano en su página El comentario de texto: El Libro de buen amor.
• Un excelente comentario y resumen nos lo ofrece Antonio Tausiet en su página sobre el LBA.
• La Antología del LBA de L. Domenech y A. Romeo es una buena selección didáctica. Se halla en el  portal Materiales de lengua y literatura.

Otras obras y autores de mérito del Mester de Clerecía serían los Proverbios morales del judío Sem Tob de Carrión y el Rimado de Palacio del canciller Pero López de Ayala.

Juglares y clérigos los difundían por todo el norte peninsular en la Edad Oscura, en ese periodo tan misterioso y fascinante en que se crean los reinos que dan origen a nuestra sociedad actual y maduran las lenguas románicas, una época de la que sabemos algunas cosas y nos imaginamos la mayoría.

Para descargar la presentación, clica en el título y regístrate en Slidesahre.

Entre todos ellos, destaca por muchas razones el Poema (o Cantar) de Mio Cid, un cantar de gesta único que constituye la primera gran obra maestra de la Literatura española.

El poema es el cantar de gesta más antiguo y el mejor conservado de la literatura castellana medieval. Su protagonista es un personaje histórico, el infanzón Rodrigo Díaz de Vivar (c. 1048-1099), un noble famoso por su habilidad guerrera y su astucia hasta el punto de que se convirtió en una leyenda en vida. Consta de 3730 versos y se conserva en un manuscrito único que se encontró en Vivar (Burgos) y que hoy día se conserva en la Biblioteca Nacional.

La fecha de composición del poema es incierta, así como su autoría. Ramón Menéndez Pidal creía que fue compuesto en el siglo XII, posiblemente hacia 1140, y quizá por varias manos, especialmente las de dos supuestos juglares sorianos, uno de San Esteban de Gormaz y otro de Medinaceli para ser más exactos, pero esto no deja de ser una vieja hipótesis del gran filóglogo e historiador. Lo que sí sabemos con certeza es que el manuscrito conservado es una copia del siglo XIV firmada por un tal Per Abbat y fechada en era de 1245 (lo que equivale al año 1207 si le restamos los 38 años de la antigua Era Hispánica). Por ello, los últimos investigadores suelen coincidir en otorgar verosimilitud a lo que nos dice el explicit o colofón, con lo que retrasan su escritura hasta principios del siglo XIII y no tienen inconveniente en atribuirlo a un clérigo que dominaba el arte juglaresco y conocía bien la poesía heroica.

El tema de la obra es la recuperación de la honra perdida por el Cid, primero su honra pública (ya que es acusado de ladrón por sus enemigos) y luego su honra privada (sus hijas son brutalmente maltratadas por sus maridos). En ambos casos el Cid actúa respetando la autoridad del rey y la justicia de la época, y buscando la reparación del daño mediante un uso legítimo y comedido de la fuerza. En un caso, conquistando territorios y en otro, retando a sus cobardes yernos a un duelo singular.

El argumento del poema oscila entre lo histórico y lo novelesco, de manera que al principio predomina la acción bélica y luego se suceden escenas puramente fantasiosas. Tradicionalmente se ha dividido en tres partes o cantares que equivaldrían a tres sucesivas sesiones de recitado: Cantar del destierro, Cantar de las bodas y Cantar de la afrenta de Corpes.

El personaje principal del texto es, evidentemente, el Cid, cima de virtudes y ejemplo destacado de lo que en la Edad Media era considerado un buen caballero cristiano: valiente, piadoso, justo, leal, fiel, generoso, clemente, protector de su tierra y los suyos… Junto al Cid se sitúan sus fieles vasallos (como Minaya Álvar Fáñez o Martín Antolínez), su familia (su mujer Jimena y sus hijas Sol y Elvira), el abad de San Pedro de Cardeña y el pueblo castellano en general (burgueses, campesinos, soldados…) ya que todos lo consideran de su clase e injustamente castigado por el rey.

Frente a él, en cambio, tenemos a un sinfín de enemigos: primero a los “malos mestureros” (intrigantes de palacio), a algunos jefes cristianos aragoneses y catalanes, a los que arrebata posesiones e incluso hace prisioneros -como sucede con Ramón Berenguer II, Conde de Barcelona-, y sobre todo, a caudillos musulmanes como Búcar o Yusuf, a pesar de que en este bando también hay excepciones como la de Al Mutamín, gobernador de la Taifa de Zaragoza, el cual fue aliado del Cid. Después, tras la conquista de Valencia, sus principales enemigos estarán dentro de su propia casa, puesto que lo son los Infantes de Carrión, Diego y Fernando, representantes de la alta nobleza leonesa, cuyos privilegios veían amenazados por personajes de inferior rango social pero más valor como el Cid.

Además, sobre todos estos personajes, se sitúa la figura del rey-emperador Alfonso VI, injusto al principio, quizá interesado después y finalmente benevolente con el héroe, ya que lo perdona y le otorga un honroso casamiento para sus hijas.

La métrica del poema es irregular, con versos que van desde las 10 a las 20 sílabas divididos en dos hemistiquios por una cesura o pausa. La rima es asonante en todos ellos y se mantiene durante largas tiradas, lo que debía dar al recitado un soniquete bastante monótono pero a la vez favorecía la improvisación del juglar en caso de olvidar algún verso.

Respecto al estilo, podemos definirlo como sobrio y llano, un tanto rudimentario pero ágil y directo, como corresponde a la épica medieval primitiva. Abunda en epítetos épicos que caracterizan a los personajes, especialmente al protagonista (el que en buen hora ciñó espada, el de la barba bellida, etc.), abunda en fórmulas apelativas a los oyentes (lo que evidencia su carácter oral), es rico en dialectalismos, es rápido en las escenas guerreras, introduce sin presentación diáogos vivaces y está surcado por vetas líricas que revelan una indudable sensibilidad hacia el paisaje y los sentimientos familiares.

Finalmente, el Cantar de Mio Cid resulta excepcional en tanto que inaugura uno de los rasgos más destacados la literatura castellana -el realismo-, y en tanto que la historia que cuenta ha sido recreada en innumerables ocasiones ya desde antiguo en romances, crónicas latinas y cantares de gesta (mucho más novelescos) y más modernamente en novelas, obras de teatro nacionales y extranjeras, e incluso en el cine. Muestra destacada de esto último fue la superproducción norteamericana de Anthony Mann El Cid (1961) que a día de hoy sigue siendo la referencia cinematográfica ineludible sobre el personaje:

OTROS ENLACES DE INTERÉS

Recopilación de enlaces sobre el CMC

Portal sobre el CMC en el Centro Virtual Cervantes

Estudios históricos y literarios sobre el Cid

La profundidad filosófica revestida de sencillez de los versos del andaluz cobra vida nueva con la música del cantautor catalán. Todo un homenaje que se explicita en el final (“Murió el poeta lejos del hogar…”) y en el título completo del disco: Dedicado a Antonio Machado, poeta (1969).

Dedicada a todos mis alumnos de este año del Instituto de Roquetes.

¡Feliz curso y feliz viaje!

Enlaces de interés:

La obra poética de Antonio Machado, de José A. Serrano Segura.

En el siguiente enlace se puede entrar a un mini moodle sobre el Romanticismo literario centrado en la figura de Gustavo Adolfo Bécquer y pensado para 4º de ESO. Si quieres acceder a él, puedes hacerlo libremente como visitante:

El Romanticismo (moodle)

Entradas relacionadas: El Romanticismo, Donde habite el olvido, Monotonía de lluvia, Leyendas de Bécquer.

Wiki antología poética

Hay algunos autores de más respecto a los que nos piden y otros a los que les todavía les faltan cosillas, incluso datos básicos. Faltan también revisiones esenciales de algunos artículos y quedan por insertar más y mejores enlaces interesantes, pero de momento es una base mínima para leer, para pensar y para compartir nuestras aportaciones en red sobre los textos seleccionados.

Aquí os dejo algunas muestras evidentes de vuestra buena labor:

En el principio de Blas de Otero, recitado por por Edgar Martínez

Campos de Soria de Antonio Machado, recitado por Jarom Hernández

Ahora, no dejéis para el último momento las correcciones y comentarios que aún faltan.

¡Gracias por vuestro esfuerzo!  Os deseo una buena lectura y un mejor aprovechamiento de lo leído.

RECORDATORIO

El curso pasado hicimos también colectivamente el resto de la lectura propuesta: la poesía española hasta el siglo XX. En aquella ocasión, hicimos exposiciones orales acompañadas de presentaciones de diapositivas, tal y como propusimos. Algunas de ellas están también disponibles en la wiki actual. Ver la entrada relacionada:

Antología de poesía española.

Escena de la obra (Teatres de la Generalitat Valenciana)

Miguel Mihura (1905-1977): el burgués con alma de bohemio, el defensor acérrimo de la libertad individual y la buena vida, el amante apasionado del teatro, el seductor triste y melancólico, el falangista apolítico, el humorista descreído, el perseguidor de girls de la farándula, el que todo lo tuvo y todo lo perdió…

Ése fue don Miguel: pura contradicción. Pero al fin y al cabo, una referencia ineludible de las letras hispánicas y del mundo del espectáculo de la posguerra. O en otras palabras, una de las tres patas que sostienen el teatro español a partir de 1940, junto con Antonio Buero Vallejo y Alfonso Sastre. Cada uno en su estilo y cada uno a su manera. Unos (Buero y Sastre) desde la crítica social y el realismo trágico; el otro (Mihura), desde el humor sutil y disparatado, al principio más renovador, luego cada vez más plegado a los gustos del público que llenaba las salas y le permitía vivir con cierta holgura de las tablas. Unos, lidiando con la censura y arriesgándose a represalias políticas; el otro, desde el surrealismo y la comedia, reivindicando el arte como territorio autónomo e irreal, desgajado de la vida mísera de cada día.

Porque junto a Historia de una escalera de Buero (1949) y Escuadra hacia la muerte de Sastre (1953), Tres sombreros de copa (1952) significa la salida del costumbrismo, de los dramas históricos de aliento nacional-católico y de las meras comedias de evasión que el público demandaba en los escenarios del país. Cortada de raíz la dramaturgia renovadora de tiempos de la República, exiliados o desaparecidos los grandes nombres (Valle-Inclán, Lorca, Casona…), el teatro español, como todas las artes, pasaba por un período de lamentable decadencia que sólo empezó a cambiar gracias al impulso regenerador de este trío de ases.

Así, Mihura fue un autor que renovó el teatro de humor muy a su pesar, puesto que su gusto era simplemente hacer lo que le diera la gana. Y por ello, a pesar del éxito de que disfrutó,  a pesar de que pudo vivir bastante bien del teatro, el dibujo y la escritura (publicando en periódicos y revistas satíricas como La Codorniz), a pesar de que se situó en el bando vencedor durante la contienda civil y siempre supo “nadar y guardar la ropa”, siempre se sintió un incomprendido.

De toda su producción, Tres sombreros de copa (1932-1952) es su obra más conocida y la lectura requerida durante este segundo trimestre. Una pieza singular, que estuvo veinte años guardada en un cajón y que se estrenó tarde, en 1952, cuando Mihura casi había renunciado a su carrera como dramaturgo. Sin embargo, tuvo una puesta en escena glamurosa y de calidad por parte de los jóvenes actores del TEU (Teatro Español Universitario), y gracias a ese impulso y a la buena acogida del público y la crítica del momento, Mihura decidió volver al teatro y así pudo dejarnos un puñado de obras creadas con ingenio, ritmo y verdadero domino del arte dramático. Obras en apariencia ligeras, de puro humor, pero que nos dejan siempre un regusto triste y amargo, de inevitable spleen de Madrid.

Para pensar sobre el libro y preparar el ejercicio que haremos en clase aquí os dejo una serie de cuestiones que espero os sean de utilidad:

Cuestionario sobre “Tres sombreros de copa” (doc)

SITIOS INTERESANTES:

Una muy acertada introducción al teatro de Mihura con análisis básico de personajes, temas y conflictos de la obra que nos ocupa nos la presenta José María González Serna:

Aparte, como casi siempre, un lugar de referencia fundamental para profundizar en la obra de este escritor es Materiales de Lengua, la página de Lourdes Doménech y Ana Romeo:

Miguel Mihura y Tres sombreros de copa.

Una excelente presentación sobre el humor en la obra nos la proporciona la misma Lourdes Domenech:

El humor en Tres sombreros de copa

Por supuesto, también te recomiendo vivamente consultar la guía del lectura publicada en el portal EDU365:

Guía de lectura de Tres sombreros de copa, por Pablo Moro, 2010.

Además, en el blog Tres sombreros el profesor Soldevilla hace una serie de paralelismos entre el humor de Mihura y otros referentes culturales de la época que resultan de gran interés, como los hermanos Marx, la Betty Boop, el cine norteamericano, el music-hall o el charlestón. Para muestra, un botón:

Por último, en esta página de la UPC puedes ver también una adaptación universitaria completa:

Ver representación de Tres sombreros de copa (en vídeo)

NOTA FILOLÓGICA:

En francés, spleen significa un  estado de melancolía o de angustia vital sin causa definida experimentado por una persona. Es un término popularizado por el escritor simbolista Charles Baudelaire en su obra Pequeños poemas en prosa o Spleen de París (1862).

Mario Vargas Llosa (2010)

Aquí lo puedes leer en pdf: Elogio de la lectura y la ficción (2010).

Si prefieres escucharlo y verlo en vídeo puedes hacerlo aquí: Discurso en Estocolmo, 7 de diciembre de 2010.

Tomando en muchos casos recursos novedosos de autores decimonónicos o que viven a caballo de los dos siglos, como Flaubert, Joyce o Proust, aparece en nuestro ámbito una nueva manera de contar que, en el caso de la lengua española, tendrá su mejor y más brillante exponente en el llamado “boom” de la literatura latinomericana: Borges, Cortázar, García Márquez, Vargas Llosa…

Para abrir boca e ir dándoos una idea general del tema os dejo la presentación anterior. Resulta muy clara y es un buen material de estudio. Además, nos puede servir perfectamente para insertar Nada en la tradición novelística hispánica y universal. Ya lo comentaremos despacio en clase.

Como complemento, os dejo un buen ejemplo de presentación de una novela coetánea de Nada con interesantes propuestas de trabajo. Nos la proporciona Ramon Salvo en su página personal y constituye un buen acercamiento a la novela más características de esa breve moda literaria llamada “tremendismo”, la terrible y descamada historia de Pascual Duarte (1942) de C. J. Cela:

Teledebate sobre La familia de Pascual Duarte.